La musique peut faire naître une menace avant même que l’on sache qui doit la craindre. Les ouvertures orchestrales de Tarantino préparent une certaine façon de regarder, mais il convient de distinguer une ouverture de tout thème musical entendu au début d’un film.
L’ouverture de la version roadshow a une fonction propre
La version roadshow des Huit Salopards comporte une ouverture avant le récit proprement dit. Ce moment accorde à la musique une attention différente de celle qu’elle reçoit lorsqu’elle accompagne habituellement une scène. Le spectateur ne suit pas encore un échange entre personnages et ne cherche pas à démêler un conflit précis. Il entend la promesse d’une atmosphère qui influencera son entrée dans l’histoire.
Ennio Morricone compose pour le film une musique placée sous le signe de la menace et de l’attente. La répétition et le poids des timbres graves créent une impression de progression contenue. La musique n’annonce pas une aventure grandiose simplement parce que le film appartient au genre du western. Elle suggère qu’un événement approche et que l’immensité du paysage ne garantit ni liberté ni sécurité.
L’ouverture au sens formel est propre à un mode de projection précis. Il ne faut pas la confondre avec le premier morceau de n’importe quelle édition, ni supposer qu’elle a la même durée et la même place dans tous les montages. Les différences entre la version roadshow et la version classique modifient l’expérience du début. Préciser de quelle version il s’agit permet d’expliquer le procédé sans attribuer à tous les spectateurs un parcours identique.
Le fait de séparer la musique de l’action visible modifie également l’écoute. En l’absence de dialogue qui capte l’attention, un motif musical peut prendre davantage de place et rester en mémoire. Lorsque le film commence à montrer des lieux et des personnages, le public a déjà reçu une orientation émotionnelle. L’image s’inscrit dans une atmosphère préalablement établie.
Le paysage peut sembler menaçant avant de devenir un lieu d’enfermement
Les premiers plans en extérieur des Huit Salopards montrent la neige, l’éloignement et la difficulté à se déplacer. La musique contribue à faire ressentir cette immensité comme un isolement. Le paysage ne sert pas uniquement à mettre en valeur la beauté de la photographie. Il peut constituer un environnement qui limite les possibilités de ceux qui le traversent et les pousse vers un refuge qui ne sera pas davantage rassurant.
La répétition musicale nourrit une impression d’insistance. Quelque chose persiste, même si le spectateur ne peut pas encore en déterminer précisément la cause. Ce procédé s’accorde avec une histoire qui distillera les informations et les soupçons. La musique installe un état de vigilance sans révéler quel personnage mérite la confiance ni lequel cache ses intentions.
Le passage de l’extérieur à l’intérieur ne dissipe pas cette menace. L’espace visuel se transforme en proximité forcée, tandis que le souvenir de l’ouverture conserve le poids de ce qui entoure le chalet. On peut voir l’ouverture comme une préparation à cette continuité : le danger n’est pas limité à un lieu et ne disparaît pas lorsqu’on ferme une porte.
L’effet ne dépend pas non plus de la capacité du spectateur à reconnaître des instruments précis. L’agencement des pulsations, des répétitions et des variations d’intensité permet de percevoir une direction. Il est plus prudent de décrire cette expérience que d’attribuer à un instrument une intention psychologique précise en l’absence de témoignage du compositeur. L’analyse peut observer le fonctionnement du résultat sans inventer d’explication sur la manière dont la musique a été écrite.
Le public peut commencer à pressentir un danger sans avoir encore de visage auquel l’associer.
D’autres ouvertures orchestrales et leurs différences
Les crédits d’ouverture d’Inglourious Basterds sont accompagnés de The Green Leaves of Summer dans l’interprétation orchestrale de Nick Perito. Ce choix donne au début une tonalité plus mélodique et contemplative que la menace insistante des Huit Salopards. Le titre et le ton du film n’imposent pas que sa première musique annonce immédiatement la violence. Une ouverture peut introduire de la distance et de la mémoire avant une scène tendue.
Il convient de distinguer cette musique de générique d’une ouverture indépendante au sens où on l’entend dans un mode de projection particulier. Toutes deux interviennent au début et préparent la réception du film, mais elles ne sont pas organisées de la même manière. Dans un cas, la musique partage l’attention avec les noms et les titres ; dans l’autre, elle bénéficie d’un intervalle formel qui lui est propre. Cette différence influe sur ce que fait le spectateur pendant l’écoute.
L’origine de la musique peut également varier. Tarantino associe des compositions créées pour ses films à des enregistrements tirés du répertoire existant. Une œuvre orchestrale préexistante peut acquérir une nouvelle fonction lorsqu’elle s’intègre à un autre récit. Son efficacité ne dépend pas du fait qu’elle ait été composée à l’origine pour décrire les personnages qu’elle accompagne désormais, mais des liens que le montage établit avec elle.
L’ouverture suscite des attentes que le film peut confirmer ou compliquer. Une mélodie sereine peut précéder une menace domestique ; un motif grave peut mener d’une plaine à un intérieur. Cette liberté empêche de réduire les ouvertures à un code fixe dans lequel chaque timbre correspondrait à un type de destin. L’intérêt réside dans la tension entre la première impression et ce que nous apprenons par la suite.
Écouter ces premières minutes comme une partie du récit permet de reconnaître une manière de commencer avant toute explication. La musique installe la patience, l’inquiétude ou la distance et prépare le public à une certaine durée. Dans Les Huit Salopards, cette préparation fait du début une expérience d’attente : nous ne savons pas encore ce qui va se passer, mais nous sentons déjà que rester ensemble dans ce monde aura un prix.
Revenir à la musique et aux bandes originales de Tarantino.