Sergio Leone gehört zu den Lieblingsregisseuren von Quentin Tarantino. Zwei glorreiche Halunken lässt diese Affinität aus der Perspektive des Zuschauers nachvollziehen: Zu warten, ein Gesicht zu betrachten und Musik zu hören kann ebenso aufregend sein wie eine Schießerei.
Ein ausgewählter Film und eine Art des Sehens
Zwei glorreiche Halunken findet sich in der Filmauswahl, die Tarantino zur Sight-and-Sound-Umfrage von 2012 beisteuerte und die Open Culture im August 2013 veröffentlichte. Diese Wahl belegt seine Bewunderung für Leones Film. Sie bedeutet nicht, dass jede spätere Äußerung des Amerikaners zum Bekenntnis zu einem einzigen Lieblingsregisseur für alle Lebenslagen gemacht werden muss.
Wie der Film funktioniert, macht das Interesse an dieser Wahl verständlich. Es geht um die Suche nach Geld, zerbrechende Bündnisse und drei Männer, deren Ziele an einem Ort zusammenlaufen. Dennoch nimmt sich die Erzählung viel Zeit für Situationen, die sich in wenigen Sätzen zusammenfassen ließen. Die Länge macht aus diesen Handlungen Erlebnisse: Das Warten erlaubt es, die Figuren einzuschätzen, bevor eine von ihnen ihre Absicht offenbart.
In einer Nahaufnahme kann ein kaum merklich veränderter Blick die Bedrohung verschieben. In einer weiten Einstellung wirkt dieselbe Figur klein vor der Landschaft. Der Wechsel zwischen den Maßstäben bringt zwei Dimensionen des Westerns zusammen: die Weite eines Gebiets und die äußerste Aufmerksamkeit für eine Geste. Der Film muss sich nicht für eine davon entscheiden. Seine Duelle sind so intensiv, weil eine winzige Entscheidung unumkehrbare Folgen haben kann.
Dies ist eine Betrachtung von Leones Inszenierung, keine Wiedergabe eines Essays von Tarantino. Diese Unterscheidung macht es möglich, seine Vorliebe zu würdigen, ohne ihm Erklärungen anzudichten. Zuschauer können in seinem Kino eine ähnliche Vorliebe für das Warten und die Bedrohung erkennen. Doch diese Ähnlichkeit macht nicht jede lange Einstellung zu einem direkten Zitat.
Die Dollar-Trilogie und die Wandlungen eines Helden
Für eine Handvoll Dollar ordnet seinen Konflikt um einen Revolverhelden an, der die Auseinandersetzung zwischen zwei Gruppen für sich nutzt. Seine Fähigkeit, zu beobachten und abzuwägen, zählt ebenso viel wie der schnelle Griff zur Waffe. Der Protagonist weiß mehr als diejenigen, die ihn für ihre Zwecke einspannen wollen, und das Publikum verfolgt mit Vergnügen, wie er sich diesen Vorsprung bewahrt. Sein Charisma entsteht aus der Ökonomie seiner Bewegungen und dem Eindruck, dass er immer etwas zurückhält.
Für ein paar Dollar mehr verlagert das Interesse auf ein Kopfgeldjägerduo. Konkurrenz und Zusammenarbeit vermischen sich; jeder der Männer muss herausfinden, was der andere wirklich verfolgt. Das Motiv der Rache bringt einen Unterschied ins Spiel: zwischen dem Kassieren für einen Toten und dem Bedürfnis, dass jemand stirbt. Diese Unterscheidung verändert das emotionale Gewicht des Duells, ohne die Logik des populären Unterhaltungskinos aufzugeben.
In Zwei glorreiche Halunken macht die Beziehung zwischen drei Figuren jede Vereinbarung brüchig. Tuco bringt eine verbale und körperliche Energie mit, die sich von der Zurückhaltung der von Clint Eastwood gespielten Figur unterscheidet. Durch das Zusammenspiel ihrer Temperamente kann die Gefahr Humor, Gereiztheit und Abhängigkeit einschließen. Die Figuren können aufeinander angewiesen sein und zugleich nach einer Gelegenheit suchen, einander zu verraten – eine viel ergiebigere Konstellation als die starre Einteilung in Verbündete und Feinde.
Die drei Filme werden meist als Dollar-Trilogie zusammengefasst. Um sie anzusehen, muss man dem Revolverhelden von Eastwood keine lückenlos zusammenhängende Biografie zuschreiben. Aufschlussreicher ist es, die Variationen einer Filmfigur in den Blick zu nehmen: wie sie in eine Gemeinschaft eintritt, verhandelt und mit Informationen umgeht. Leone schafft Wiedererkennung durch Gesten und Präsenz, ohne lange Erklärungen über die Vergangenheit vorauszusetzen.
Das Duell als Schauspiel aus Dauer und Klang
Das Duell auf dem Friedhof in Zwei glorreiche Halunken macht diese Methode sichtbar. Die Handlung selbst ist einfach: Drei Männer beobachten einander und wägen ab. Durch Positionen, Einstellungsgrößen und Tempowechsel dehnt sich die Szene aus. Noch bevor der Schuss fällt, hat der Schnitt bereits eine Abfolge möglicher Entscheidungen hervorgebracht. Das Publikum wird einbezogen und versucht vorauszuahnen, wer zuerst reagieren wird.
Ennio Morricones Musik verleiht diesem Warten eine Dimension, die Umgebungsgeräusche auf dieselbe Weise nicht schaffen würden. Sie kann eine Emotion über die Worte hinaus tragen und den Raum wie eine feierliche Bühne wirken lassen. Das Ergebnis ist nicht realistisch im Sinne einer Wiedergabe der alltäglichen Dauer eines Kampfes. Seine Kraft entsteht durch die Gestaltung einer filmischen Zeit, die wir als notwendig empfinden.
Der Humor verhindert, dass diese Feierlichkeit durchgehend anhält. Tuco kann sich mitten in einer großartigen Situation befinden und mit einem unmittelbaren Bedürfnis, einem Protest oder einer erbärmlichen List reagieren. Das Nebeneinander dieser emotionalen Ebenen hält die Figuren dem Publikum nahe. Der Film lässt das Epische zu, ohne die Kleinlichkeit seiner Protagonisten zu tilgen.
Der Friedhof bringt außerdem eine räumliche Ironie ins Spiel: Die Belohnung ist von Gräbern umgeben. Die individuelle Suche nach Reichtum endet an einem Ort, der an die kollektiven Kosten des Krieges erinnert. Dieser Kontrast bleibt sichtbar, auch wenn die Protagonisten weiter nur auf ihren eigenen Vorteil bedacht sind.
Leone aus Tarantinos cinephiler Perspektive zu betrachten heißt, die Freude an diesen Entscheidungen zu erkennen, bevor man nach konkreten Übernahmen sucht. Kostüme, Nahaufnahmen oder eine Melodie können in anderen Filmen wiederkehren; schwer nachzubilden ist das Zusammenspiel all dieser Elemente. Die belegte Bewunderung führt zu einem Film, den man in voller Länge sehen sollte – mit seinen Verzögerungen, komischen Umwegen und der Entwicklung, die dem letzten Duell Sinn verleiht.
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