Django Unchained setzt klassische Musik in unterschiedlichen Situationen ein. Eine Darbietung in einem Haus und ein Chorausschnitt, der in die Montage eingebunden ist, sollten nicht als ein einziges Symbol für den Geschmack der Schurken erklärt werden.
Für Elise gehört zu Candyland
In Django Unchained erklingt Beethovens Für Elise in Candyland auf der Harfe. Es ist nicht die Klavierfassung, mit der das Stück in seiner bekanntesten Form meist verbunden wird. Die Wahl des Instruments und die Anwesenheit einer Interpretin verorten die Musik in der Welt der Figuren: Sie ist Teil einer Szene, die scheinbare Kultiviertheit ausstrahlt und zugleich von der Gewalt auf der Plantage geprägt ist.
Schultz reagiert auf die Musik und verlangt, dass sie aufhört. Diese Geste zeigt, dass der Klang nicht bloß ein äußerer Kommentar für das Publikum ist. Er ist Teil dessen, was die Figur in dem Raum ertragen muss. Das Stück wird Teil einer Erfahrung, in der seine Verbindung zur deutschen Kultur und die unmittelbare Erinnerung an die Brutalität kaum voneinander zu trennen sind.
Aus dieser Reaktion lässt sich nicht ableiten, dass Beethoven für eine reine Moral steht, die der Film ohne jede Differenzierung den Vereinigten Staaten gegenüberstellt. Auch Schultz hat Gewalt ausgeübt, und sein Verhältnis zum Geschäft mit Kopfgeldern ist komplex. Die Musik kann einen konkreten Widerspruch unerträglich machen, ohne zu einer moralischen Landkarte ganzer Länder zu werden. Der Konflikt gehört zu diesem Mann und dieser Situation.
Verdi erklingt nicht als Oper in einem Salon
Der Film verwendet auch Material aus Verdis Requiem, und zwar in einer Fassung, die mit der Musik aus Battle Royale verbunden ist. Seine Funktion steht im Zusammenhang mit der Mobilisierung der maskierten Angreifer und nicht mit einer privaten Hörstunde von Calvin Candie in einem Opernhaus. Herkunft und Einsatzort verhindern, dass sich jeder Gebrauch klassischer Musik auf ein Accessoire aristokratischer Größenwahn reduzieren lässt.
Das Requiem ist ein geistliches Werk, keine Oper, auch wenn Verdi zu den bedeutendsten Opernkomponisten zählt. Diese Unterscheidung räumt mit einem häufigen Missverständnis auf: Der Beruf oder Ruhm eines Autors bestimmt nicht die Gattung jedes einzelnen Werks, das er geschrieben hat. Ebenso wenig machen ein Orchester und ein Chor einen beliebigen Ausschnitt automatisch zu Opernmusik.
Der monumentale Klang kann den Vorbereitungen des Angriffs eine bedrohliche Dimension verleihen und später mit der Komik der Männer zusammenwirken, die über ihre Kapuzen streiten. Der Kontrast entsteht durch die Montage und den Abstand zwischen Anspruch und Ausführung. Die Musik muss keine Vorliebe dieser Figuren sein, um die Wahrnehmung ihrer Organisation durch das Publikum zu beeinflussen.
Die Vermittlung durch eine Aufnahme, die bereits zuvor in einem anderen Film verwendet wurde, fügt eine filmische Ebene hinzu. Tarantino arbeitet nicht einfach mit einem klassischen Werk an sich, sondern wählt eine konkrete Art seiner Präsentation aus. Wer Komponist, Werk und Fassung unterscheidet, schreibt Verdi keine Bearbeitungs- oder Aufnahmeentscheidungen zu, die von späteren Interpreten und Produktionen stammen.
Der Kontrast zwischen den beiden Stücken zeigt sich auch in ihrer Größenordnung. Die Darbietung von Für Elise kann durch einen Befehl im Raum unterbrochen werden. Verdis Chorausschnitt steht in einem anderen Verhältnis zur Montage und lässt sich nicht auf vergleichbare Weise von den Männern unterbrechen, die auf der Leinwand zu sehen sind.
Eine Erzählung über eine Oper bedeutet nicht, dass Opernmusik erklingt
Schultz erzählt Django eine Geschichte über Siegfried und Brünnhilde. Der Verweis auf den Mythos und seine Operntradition hilft dabei, Broomhildas Rettung in einer heroischen Vorstellungswelt zu verankern. Wagner im Dialog zu erwähnen, beweist jedoch nicht, dass seine Musik im Soundtrack verwendet wird. Eine erzählerische Anspielung und eine tatsächlich erklingende Aufnahme sind zwei verschiedene Dinge.
Diese Unterscheidung ist besonders wichtig bei der Untersuchung von Drehbüchern. Ein erwähntes Lied, ein für eine Zeremonie vorgeschlagenes Werk und eine in einer Regieanweisung beschriebene Musik führen nicht zwangsläufig zum selben Ergebnis im veröffentlichten Film. Der Text kann sich während der Produktion und der Montage ändern. Bei einer Analyse sollte klar sein, ob sie sich auf eine geschriebene Fassung, einen hörbaren Dialog oder den endgültigen Musikabspann bezieht.
Klassische Musik nimmt gegenüber Macht auch keine einheitliche Haltung ein. In Candyland kann eine Darbietung zu einem Anschein von Kultiviertheit beitragen, den Schultz nicht länger erträgt. Bei den Vorbereitungen des Angriffs kann ein Chorausschnitt die Szenerie größer wirken lassen und später mit der Unfähigkeit der Beteiligten kontrastieren. Die beiden Funktionen sind verschieden und lassen sich nicht einfach damit erklären, dass reiche Schurken berühmte Komponisten hören.
Dass ein Instrument in der Szene zu sehen ist, belegt nicht, wie die Aufnahme entstanden ist. Eine sichtbare Harfe beweist weder, dass die gesamte Tonaufnahme live eingespielt wurde, noch dass die Mischung den Klang am Set unverändert bewahrt. Die diegetische Quelle und Schultz’ Reaktion lassen sich analysieren, ohne technische Entscheidungen zu erfinden, die im Abspann nicht beschrieben werden.
Beethoven und Verdi liefern somit musikalisches Material, das der Film in konkrete Beziehungen zu Körper, Erinnerung und Autorität setzt. Wer die jeweilige Verwendung genau bestimmt, versteht den Kontrast besser: Ein intimes Stück kann unerträglich werden, und monumentale Musik kann neben lächerlichem Verhalten stehen. Das klassische Repertoire ist kein automatisches Zeichen für Erhabenheit oder Bösartigkeit. Seine Bedeutung entsteht in der Begegnung zwischen einer identifizierbaren Fassung und einer Szene, die sie verwandelt.
Zurück zur Musik und den Soundtracks von Tarantino.