Tarantino verwendet Musik aus Italowestern auch außerhalb des Wilden Westens. Dabei muss nicht eine ganze Szene kopiert werden: Übertragen werden können eine Intensität, eine Geste oder eine filmische Erinnerung.
Eine Filmmusik kann ohne ihre ursprüngliche Landschaft weiterziehen
In Kill Bill begleitet Musik aus Italowestern eine Rachegeschichte, die Genres und Schauplätze überschreitet. Dafür müssen keine Postkutschen oder Wüsten zu sehen sein. Eine Komposition kann die Erwartung eines Duells, emotionale Weite oder eine bestimmte Art, das Schicksal einer Figur anzudeuten, vermitteln, ohne die Handlung des Films nachzubilden, für den sie geschrieben wurde.
The Grand Duel von Luis Bacalov begleitet die animierte Erzählung von O-Rens Vergangenheit. Das Zusammentreffen von Westernmusik und japanischer Animation zeigt mehr als ein bloß dekoratives Zitat. Die Filmmusik verleiht einer von Gewalt geprägten Kindheit eine tragische Dimension. Ihre Herkunft weckt bei denen, die sie erkennen, Erinnerungen, doch die Szene funktioniert auch ohne dieses Vorwissen.
Death Rides a Horse von Ennio Morricone und weitere Stücke aus diesem Umfeld erweitern dieses musikalische Vokabular in Kill Bill. Nicht alle verwendeten italienischen Stücke stammen vom selben Komponisten, und nicht alle wurden für Western geschrieben. Bei der Zuordnung sollten Urheber und Originalfilme korrekt benannt werden. Jede Musik mit Chor, Pfeifen oder Duellspannung Morricone zuzuschreiben, verwischt tatsächliche Unterschiede.
Django macht das Erbe ausdrücklich sichtbar und wandelt es anschließend um
Django Unchained beginnt mit dem Titellied aus Sergio Corbuccis Django, komponiert von Luis Bacalov und gesungen von Rocky Roberts. Die Wiederverwendung stellt eine direkte Verbindung zum Namen und zu einer Filmtradition her. Tarantinos Hauptfigur hat jedoch ihre eigene Geschichte, die in der Sklaverei der USA spielt und keine wörtliche Fortsetzung des Films von 1966 ist.
Durch die Übernahme tritt eine neue Figur in die Erinnerung an die Helden des Westerns ein. Die Musik präsentiert ihn als jemanden, dem eine epische Dimension gebührt, noch bevor er innerhalb der Erzählung völlig eigenständig geworden ist. Diese Vorwegnahme ist bedeutsam, denn die dargestellte Gesellschaft versucht, ihn auf den Status eines Besitzobjekts zu reduzieren. Das Kino verleiht ihm eine Präsenz, die dieser Einordnung widerspricht.
Im weiteren Verlauf kombiniert der Soundtrack diese Stücke mit neuen Songs, Hip-Hop und Musik aus anderen Zusammenhängen. Der Italowestern ist keine Grenze, die fremde Klänge ausschließt. Er ist eine Tradition, mit der man in einen Dialog treten und die man mit neuen Bedeutungen verbinden kann. Die Mischung macht sichtbar, dass die Erzählung aus einem späteren Blick auf die Vergangenheit entsteht.
Die Neuinterpretation des Spaghettiwesterns betrifft auch das Verhältnis von Gewalt und Zeit. Musik, die eine Wartezeit trägt, kann eine kleine Geste monumental wirken lassen. Ein anderes Stück kann einen Auftritt oder Abgang zur Figurenpräsentation machen. Die Übernahme dient nicht nur als Begleitung zu Schüssen: Sie strukturiert die Dauer der Erwartung und das Gewicht einer Entscheidung.
Die Melodie kann auch eine größere emotionale Dimension schaffen, als der sichtbare Raum bietet. Ein Zimmer, ein Gesicht oder eine kurze Bewegung erhalten die Weite, die wir mit einem monumentalen Duell verbinden. Die übernommene Musik behält diese Fähigkeit zur Ausdehnung, ohne dass der neue Film die Landschaft nachbilden muss, für die sie ursprünglich konzipiert wurde.
Die Quelle zu erkennen, reicht nicht aus, um die neue Verwendung zu erklären
Die Identifizierung eines Stücks beantwortet eine notwendige Frage: Welche Musik wurde verwendet, und woher stammt sie? Die Analyse beginnt danach, wenn man betrachtet, was sich verändert, sobald sie mit anderen Bildern verbunden wird. Dieselbe Melodie kann im Originalfilm einen Verlust begleiten und im neuen Film eine Bedeutung als Widerstand, Ironie oder Abschied annehmen. Dabei muss keine wörtliche Entsprechung entstehen.
Auch die Zuschauer bringen nicht alle dieselben Erinnerungen mit. Wer die Quelle kennt, kann eine zweite Geschichte hinter der Szene mitschwingen hören. Wer sie nicht kennt, nimmt dennoch Klangfarbe, Rhythmus und die emotionale Gestaltung der Aufnahme wahr. Das Zitat sollte nicht zu einer Zugangshürde werden, die zwischen denen unterscheidet, die den Film verstehen, und denen, die ihn lediglich fühlen.
Außerdem sollte man zwischen der Wiederverwendung und einer Originalkomposition unterscheiden. The Hateful Eight enthält neue Musik von Morricone, verwendet aber auch älteres Material. Es wäre ungenau, den gesamten Klang des Films als Collage aus Western der Sechzigerjahre zu beschreiben. Der Komponist entwickelte für diesen Film eine eigene musikalische Sprache der Bedrohung. Seine lange Verbindung zum Genre macht nicht automatisch jedes Stück zu einer Wiederholung von Leone.
Die Herkunft einer Aufnahme belegt auch nicht alle Einzelheiten ihrer Übertragung in den neuen Film. Der Abspann nennt ein Werk und eine Interpretation, doch der Schnitt kann nur einen Ausschnitt verwenden, ihn mit anderen Klangebenen kombinieren oder seinen Einsatzkontext verändern. Für genaue Angaben zu Schnittfassungen, Takes und Bearbeitungen ist zusätzliche Dokumentation nötig. Eine Melodie wiederzuerkennen, liefert für sich genommen keine vollständige technische Entstehungsgeschichte.
Der Italowestern bietet Tarantino ein Repertoire emotionaler Formen: Warten, Duell, Bedrohung, Verlust und Selbstbehauptung. Sein Kino überträgt sie auf Figuren und Konflikte, die nicht immer demselben Genre angehören. Die Musik bewahrt eine frühere Erinnerung und erhält in der neuen Szene zugleich ein neues Leben. Das Interessante liegt in dieser Begegnung: Ein zitiertes Werk bleibt erkennbar, ohne die Erzählung daran zu hindern, eine andere Bedeutung zu entwickeln.
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