Rolling Thunder zu bewundern bedeutet nicht, jeden Aspekt des Films seinem ersten Drehbuchautor zuzuschreiben. Dieser Unterschied bildet den Ausgangspunkt der Diskussion über Schrader.
Das Drehbuch und der Film sind nicht dasselbe
Quentin Tarantinos kritische Auseinandersetzung mit Paul Schrader gilt Filmen, bei denen andere Regie führten, und den Unterschieden zwischen verschiedenen Fassungen einer Geschichte. Taxi Driver, aus dem Jahr 1976, wurde von Schrader geschrieben und von Martin Scorsese inszeniert. Rolling Thunder, aus dem Jahr 1977, wurde von John Flynn inszeniert; als Drehbuchautoren sind Schrader und Heywood Gould angegeben. Diese Angaben zu Beginn zu berücksichtigen verhindert, dass die Bewunderung für das filmische Ergebnis einem einzelnen Mitwirkenden zugeschrieben wird.
In Cinema Speculation, 2022 veröffentlicht, untersucht Tarantino beide Filme und erörtert erzählerische und moralische Entscheidungen. Die Rezension von Momentary Cinema vom 22. Oktober 2023 greift sein Interesse an den Unterschieden zwischen dem Protagonisten in der Drehbuchfassung von Rolling Thunder und der von William Devane gespielten Figur auf. Außerdem fasst sie seine Lesart von Taxi Driver als Film über einen rassistischen Mann zusammen. Das ist nicht gleichbedeutend mit der Behauptung, der Film selbst sei rassistisch, nur weil man sich mit seinem Protagonisten identifiziert.
Hier geht es um Autorschaft und Rezeption. Ein Drehbuch gibt Handlungen, Dialoge und den Aufbau der Erzählung vor; der Film fügt Körper, Stimmen, Dauer und Bilder hinzu. Diese Entscheidungen können einen Aspekt verstärken, einen anderen in den Hintergrund rücken oder eine Sympathie erzeugen, die im Drehbuch nicht auf dieselbe Weise angelegt war. Um das Ergebnis zu beurteilen, muss man diese Verwandlung betrachten, statt sich vorzustellen, der Text sei unverändert auf die Leinwand übertragen worden.
Taxi Driver: Nähe ohne Absolution
Travis Bickle begegnet der Stadt feindselig und ordnet seine Erfahrungen mithilfe einer Stimme, die sie zu erklären vorgibt. Das Publikum erhält Zugang zu seinen Gedanken, doch dieser Zugang macht ihn nicht automatisch zu einem verlässlichen Beobachter. Der Film lässt Widersprüche zwischen dem erkennen, was er sagt, was er versteht und was er tut. Einer Person in ihrem Bewusstsein nahe zu sein, verpflichtet nicht dazu, ihre Diagnose der Welt anzunehmen.
Auch die Einsamkeit der Figur rechtfertigt ihre Taten nicht automatisch. Sie kann Mitgefühl wecken und zugleich dazu führen, dass sie sich in immer starreren Deutungen einschließt. Dramatisch interessant ist, wie diese Isolation mit dem Wunsch zu handeln zusammenhängt. Travis sucht eine Aufgabe für sich und kann die Intensität seines Bedürfnisses mit der Berechtigung einer Mission verwechseln.
Robert De Niros Darstellung verkompliziert dieses Verhältnis. Da sind Ungeschicklichkeit, Verletzlichkeit, unbequemer Humor und Bedrohlichkeit. Keiner dieser Züge hebt die anderen auf. Eine Szene kann uns der Figur näherbringen, die nächste zwingt uns vielleicht, diese Nähe neu zu bewerten. So lässt sich das Erlebnis nicht auf die einfache Entscheidung reduzieren, sie von Anfang an entweder zu bewundern oder abzulehnen.
Die Gewalt wirft anschließend eine Frage danach auf, wie wir hinsehen. Eine Sequenz kann durch ihre Montage und wechselnde Intensität mitreißend wirken und zugleich eine erschreckende Tat zeigen. Über diese Mischung zu diskutieren, setzt nicht voraus, so zu tun, als reagierten alle Zuschauer gleich. Der Film eröffnet bestimmte Reaktionsmöglichkeiten, doch jeder kann das Verhältnis von Spannung, Erleichterung und Abscheu anders erleben.
Rolling Thunder und die Schwierigkeit der Rückkehr
In Rolling Thunder stellt die Rückkehr eines Kriegsgefangenen nach Hause das Leben, das er zuvor geführt hat, nicht wieder her. Der öffentliche Empfang und das private Erleben fallen auseinander. Die Figur kann als Held empfangen werden und sich dennoch außerstande sehen, die zurückgelassenen Beziehungen wieder aufzunehmen. Dieser Abstand zwischen Anerkennung und Zugehörigkeit verleiht einer Geschichte Tiefe, die später die Form eines Rachefeldzugs annimmt.
William Devane spielt die Figur mit einer Zurückhaltung, die dazu zwingt, auf kleinste Details zu achten. Ein unbewegtes Gesicht bedeutet nicht, dass kein Leid vorhanden ist. Es kann auf eine Erfahrung hindeuten, die die Figur nicht in den Worten ausdrücken kann oder will, die ihr Umfeld erwartet. Der Film lässt die häusliche Normalität fremd erscheinen und zeigt, dass manche Beziehungen für ihn in einem gewalttätigen Umfeld verständlicher sind als im Alltag.
Die von Tommy Lee Jones gespielte Figur des Kameraden bringt eine andere Form der Anerkennung ins Spiel. Menschen, die eine Erfahrung teilen, können einander verstehen, ohne lange Erklärungen zu brauchen. Diese Knappheit ist dramaturgisch wirkungsvoll, aber auch beunruhigend: Dass sie leicht wieder gemeinsam handeln können, bedeutet nicht, dass dieses Handeln zu ihrer Genesung führt. Eine Entscheidung kann gerade deshalb eindeutig wirken, weil sie viel schwierigere emotionale Probleme umgeht.
Ein Geständnis und eine Gewalttat können widersprüchliche Versionen desselben Mannes offenbaren. Das Drehbuch gewinnt an Komplexität, wenn es diesen Widerspruch bestehen lässt, statt ihn durch eine abschließende psychologische Erklärung aufzulösen.
Die Diskussion über Schrader muss diese Komplexität bewahren. Es reicht nicht, ein brutales Drehbuch zu feiern oder mit dem Wort Rache seinen Sinn für erklärt zu halten. Entscheidend sind die Unterschiede zwischen den Fassungen, die Position des Publikums und die Art, wie ein Film Gewalt in ein emotionales Erlebnis verwandelt. Die Lektüre von Cinema Speculationordnet Tarantinos Urteile in eine umfassendere Diskussion ein, in der die Bewunderung für ein Werk auch bedeuten kann, zentrale Entscheidungen seines Drehbuchs infrage zu stellen.
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