Die konkrete Aufnahme ist entscheidend: Death Proofs Version von Down in Mexico klingt nicht wie die erste Single von The Coasters.
Ein Song von 1956 in einer späteren Aufnahme
Down in Mexico wurde von Jerry Leiber und Mike Stoller geschrieben und 1956 von The Coasters veröffentlicht. Die in Death Proof verwendete Version ist jedoch eine Neuaufnahme aus dem Jahr 1973. Wer den Film ohne weitere Einordnung dem Klang der ursprünglichen Single zuschreibt, verwechselt die Entstehung des Stücks mit der Interpretation, die die Szene tatsächlich prägt.
Der Unterschied zeigt sich im Arrangement und im Klangbild. Die spätere Aufnahme bietet eine rhythmische Präsenz und instrumentale Farben, die sich für ein dichteres, körperlicheres Hörerlebnis eignen. Tarantino wählt nicht einfach eine berühmte Melodie aus, sondern eine bestimmte Art, sie zu spielen und zu singen. Diese Entscheidung beeinflusst, wie viel Raum die Bewegungen einnehmen können und welche Atmosphäre die Figuren umgibt.
Der Song begleitet den Tanz, den Arlene, auch Butterfly genannt, für Stuntman Mike aufführt. Die Sequenz ist in der Langfassung von Death Proof enthalten. In der in Grindhouse integrierten Schnittfassung wird diese Szene durch den Gag mit der fehlenden Filmrolle ausgelassen. Der Unterschied zwischen den Fassungen erklärt, warum sich Zuschauer an die Ankündigung des Tanzes erinnern können, ohne die ganze Szene zum Song gesehen zu haben.
Das Weglassen in Grindhouse hat einen anderen Effekt: Aus einer erotischen Erwartung wird ein Witz über die Vorführung beschädigter oder unvollständiger Filmkopien. Die Langfassung erlaubt es dagegen, die Verhandlung zwischen den Figuren während des gesamten Songs zu beobachten. Es handelt sich nicht um zwei unvereinbare Erinnerungen an dieselbe Vorführung, sondern um zwei unterschiedliche Anordnungen des Materials, die verändern, wie viel Zeit dieser Begegnung gewidmet wird.
Die Musik kommt aus dem Raum der Bar und ist Teil des Austauschs zwischen den Figuren. Sie tritt nicht als äußere Stimme auf, die enthüllt, was Mike denkt. Der Song bietet eine Gelegenheit, sich im Lokal zu bewegen, einen Rhythmus zu wählen und eine öffentliche Situation zu gestalten, die die Aufmerksamkeit auf zwei Personen lenkt. Seine erzählerische Funktion hängt davon ab, dass alle Anwesenden ihn hören.
Der Rhythmus schafft ein Wechselspiel der Blicke
Der Tanz beginnt nicht aus dem Nichts. Ihm geht eine Erwartung voraus, die mit dem von Jungle Julia Angekündigten zusammenhängt, sowie sozialer Druck, den Mike für sich nutzt. Arlene muss entscheiden, wie sie auf eine Situation reagiert, zu der andere beigetragen haben. Die Musik gibt dieser Reaktion eine Dauer und eine Struktur, beseitigt aber nicht das Unbehagen, das mit den Umständen einhergeht.
Während der Sequenz ermöglicht der Puls von Down in Mexico einen Wechsel zwischen Annäherung, Pause und Bewegung. Die Bewegungen müssen nicht immer schneller werden, um die Spannung aufrechtzuerhalten. Die Wiederholung der Musik schafft eine stabile Grundlage, vor der jede Veränderung der Position wahrnehmbar wird. Die Szene kann sich Zeit lassen, weil der Song die Zeit ausfüllt, die der Dialog freigelassen hat.
Mike nimmt die Position eines Beobachters ein, die der Film kritisch beleuchtet. Sein Blick ist Teil dessen, was wir sehen, und der Zuschauer hat bereits genügend Hinweise erhalten, um ihn nicht für völlig harmlos zu halten. Die Sinnlichkeit der Darbietung steht neben einer Bedrohung, die der Song nicht offensichtlich ankündigt. Dieser Kontrast macht die Szene mehrdeutiger als eine bloße festliche Unterbrechung.
Arlene bleibt aktiv: Sie entscheidet während des Tanzes über Gesten, Abstand und Haltung. Diese Eigeninitiative anzuerkennen heißt nicht, den vorherigen Druck zu übersehen oder die Szene zu einer ausgewogenen Beziehung zu erklären. Interessant ist, wie Vanessa Ferlitos Darstellung eine Mischung aus Unbekümmertheit und Zurückhaltung bewahrt, während der Song den Anschein sozialer Normalität aufrechterhält.
Der Song und das Wissen, das sich später verändert
Der Soundtrack von Death Proofermöglicht es, den Song außerhalb der Szene zu hören; bei diesem getrennten Hören geht jedoch ein Teil der Spannung verloren, die Mike erzeugt. Die Aufnahme hat ein Eigenleben, das dem Film vorausgeht; die Montage fügt eine weitere Erinnerung hinzu. Nachdem das Publikum die Geschichte gesehen hat, kann es den Song erneut hören und dabei an eine Begegnung denken, deren Gefahr es rückblickend besser versteht.
Die Funktion des Songs hängt weder davon ab, den Liedtext wiederzugeben, noch davon, dass jedes Wort das Lokal beschreibt. Auch der Titel verortet das Geschehen nicht geografisch in Mexiko. Die Szene spielt in Austin und verwendet einen Song, der einen anderen Ort heraufbeschwört. Das ist bei Musik, die Figuren hören, üblich: Eine Schallplatte kann an verschiedenen Orten gespielt werden, ohne den Ort, an dem sie erklingt, wortwörtlich zu beschreiben.
Das Arrangement trägt dazu bei, dass der Moment eine anhaltende, einhüllende Wirkung hat. Anders als ein abrupter Schockeffekt ermöglicht der Song, bei der Szene zu verweilen. Die Dauer ist wichtig, weil der Zuschauer Verhaltensdetails beobachten kann, die eine Auslassung beseitigen würde. Die Musikszene vermittelt keine Informationen durch Erklärungen, sondern durch das Erleben einer ungleichen Situation, an der man eine Weile teilhat.
Die Version von 1973 ist daher Teil der Inszenierung. Sie ist keine bloße diskografische Randnotiz. Ihr Rhythmus und Klangbild ermöglichen die Art von Tanz, Pause und Blick, die Tarantino filmt. Die Komposition bringt ihre eigene Vorgeschichte mit; die konkrete Aufnahme liefert den Klang; die Montage macht beides zu einer untrennbaren Erinnerung an Arlene und an Mikes beunruhigende Präsenz.
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