Die Masken der 88 Verrückten in Kill Bill sind schwarze Augenmasken, die den Augenbereich bedecken und einen großen Teil des Gesichts frei lassen. Ihre Ausdehnung ist wichtig: Anhand ihrer einheitlichen Form lässt sich die Gruppe erkennen, während Mund, Haare und Bewegungen die einzelnen Träger voneinander unterscheiden. Die Kostüme verbinden die kollektive Identität mit der körperlichen Präsenz jedes Kämpfers.
Die Augenmaske gehört zu einem Ensemble aus dunklen Anzügen, hellen Hemden und Krawatten. Durch die Wiederholung lässt sich die Zugehörigkeit erkennen, noch bevor man den Namen oder die Stellung eines Mitglieds kennt. Wenn in der Handlung viele Personen zusammenkommen, hilft dieses gemeinsame Erkennungszeichen dabei, die Gruppe zu identifizieren, die O-Ren beschützt.
Die Wahl hat auch eine Fernsehgeschichte, die mit Bruce Lee verbunden ist. Wer diesen Hintergrund kennt, erkennt eine zusätzliche Anspielung im Design; für Zuschauer, die ihn nicht kennen, erfüllt die Uniform dennoch ihren Zweck im Film. Der Ursprung einer Idee und ihre Funktion in einer anderen Erzählung beantworten unterschiedliche Fragen: Woher stammt sie, und was bewirkt sie in ihrem neuen Zusammenhang?
Von der Fernsehfigur zur Kostümierung in Kill Bill
In seinem Interview mit Tomohiro Machiyama für JAPATTACK führte Tarantino die Augenmasken auf Kato und die schwarzen Anzüge auf Reservoir Dogs zurück. Das sind zwei verschiedene Ursprünge innerhalb desselben Kostüms.
Bruce Lee spielte Kato in The Green Hornet, der Fernsehserie von 1966 bis 1967, in der Van Williams die Titelrolle verkörperte. Alyssa Burrows’ Biografie über Lee, veröffentlicht von HistoryLink, verortet diese Arbeit in der amerikanischen Phase des Schauspielers, bevor er seine großen Filmrollen in Hongkong übernahm. Der Hintergrund verweist somit auf ein konkretes Fernsehbild von Lee.
Der Wechsel des Maßstabs ist bedeutsam. Die Figur eines einzelnen Charakters wird mit mehreren Kämpfern in Verbindung gebracht, die dieselbe Kleidung tragen. In Kill Bill lässt sich anhand einer Augenmaske die Zugehörigkeit innerhalb einer großen Gruppe erkennen. Das Objekt bleibt mit einer früheren Figur verbunden, erhält durch seine Wiederholung im neuen Film jedoch eine weitere Aufgabe.
Auch die Kombination mit dem Anzug lenkt die Wahrnehmung. Hemd und Krawatte verleihen dem Ensemble eine formelle Wirkung, während die Maske einen bewusst inszenierten Eindruck erzeugt. Bei den 88 Verrückten geht diese Kleidung mit gewalttätigem Handeln einher. Die ordentlich wirkende Kleidung bleibt während des Kampfes erhalten und macht sichtbar, wie sich ihre Träger verändern, sobald sie zu kämpfen beginnen.
Wer den Ursprung der Augenmaske kennt, kann die Kostümreferenz erkennen. Um zu beschreiben, wie jemand kämpft, muss man zusätzlich auf Bewegungen, Raum und das Verhältnis zum Gegner achten. Eine Ähnlichkeit im Aussehen kann mit sehr unterschiedlichen körperlichen Aktionen einhergehen. Das visuelle Detail verbindet Bilder aus Film und Fernsehen, ohne alle Figuren, die es tragen, zu einer einzigen Art von Kämpfer zu machen.
Eine gemeinsame Form, die jeden Kämpfer erkennen lässt
Die Teilmaske konzentriert das Schwarz auf den Augenbereich – eine entscheidende Zone, um zu erkennen, wohin sich die Aufmerksamkeit richtet. Ringsherum bleibt die Haut sichtbar. Der Mund kann Anstrengung, Überraschung oder Trotz ausdrücken; durch die Neigung des Kopfes verändert sich die Position der Maske im Verhältnis zum übrigen Gesicht. Das Design lässt Ausdruck zu, ohne den Träger vollständig zu entblößen.
Die wiederkehrende Kontur bietet einen stabilen Anhaltspunkt, wenn sich die Körperhaltungen ändern. Eine Figur kann ins Bild kommen, sich umdrehen oder teilweise von einer anderen verdeckt werden – die Kleidung signalisiert weiterhin ihre Zugehörigkeit. Die Verbindung zwischen der Form der Augenmaske und den hellen und dunklen Kleidungsstücken hilft dabei, Personen visuell zusammenzufassen, auch wenn sie nicht immer dieselbe Position einnehmen oder dieselbe Bewegung ausführen.
O-Ren Ishii selbst lässt ihr Gesicht unbedeckt. Dieser Unterschied hebt die Anführerin vom Muster ab, das ihre Kämpfer verbindet. Anhand der Kleidung lassen sich zwei Positionen innerhalb einer Organisation erkennen, ohne dass jedes Auftreten erklärt werden muss. Im Gesamtbild erhält das Fehlen der Augenmaske bei ihr seine Bedeutung im Vergleich zu denen, die sie tragen.
In einer Nahaufnahme können die Unterschiede zwischen den Gesichtern stärker ins Gewicht fallen. In einer weiteren Einstellung tritt die Wiederholung von Anzügen und Masken leichter in den Vordergrund. Durch den Abstand der Kamera ermöglicht das Design den Wechsel von einer individuellen zu einer kollektiven Wahrnehmung. Das Objekt verändert sich nicht, doch es verändert sich, wie viele Informationen über die Person dahinter sichtbar sind.
Während der Schlacht im Haus der Blauen Blätter bleibt die gemeinsame Kleidung erhalten, obwohl jeder Beteiligte andere Situationen durchlebt. Körperhaltung, Position im Raum und das Verhältnis zu Beatrix gewinnen dadurch an Bedeutung, wenn es darum geht, die einzelnen Kämpfer auseinanderzuhalten. Das gemeinsame Erscheinungsbild bildet den Ausgangspunkt; die Handlung bringt Unterschiede ins Spiel, die die Kleidung allein nicht erklären muss.
Catherine Marie Thomas, Kostümbildnerin von Kill Bill, erläuterte ihre Arbeitsweise in einem Porträt von AICAD. Für jedes Projekt beginnt sie mit der Lektüre des Drehbuchs und einem Gespräch mit dem Regisseur; anschließend plant und überwacht sie die Herstellung der Kleidung, die auf der Leinwand zu sehen sein wird. Das fertige Kleidungsstück ist ein sichtbarer Teil dieses Entscheidungsprozesses.
Thomas hob auch die Beteiligung der Schauspieler und die Notwendigkeit hervor, persönliche Vorlieben mit den Anforderungen der Figur in Einklang zu bringen. Sie beschreibt damit allgemein ihr Handwerk und hilft zu verstehen, warum bei der Kostümgestaltung besprochen werden muss, wie jemand auftreten und welchen Eindruck die Kleidung vermitteln soll.
Ihre Aussage bietet eine weitere Möglichkeit, Filmkostüme zu betrachten: Man kann sich fragen, was ein Darsteller durch die Arbeit mit ihnen entdeckt. Ein Kleidungsstück kann für sich genommen ansprechend wirken und dennoch Änderungen erfordern, sobald es Teil einer Darstellung wird. Durch die Zusammenarbeit lässt sich das Ensemble in der Szene beurteilen – am Körper, der es trägt, und im Zusammenhang mit der Geschichte, die es erzählen soll.