Kill Bill erzählt von einer Frau, die einen Angriff ihrer ehemaligen Weggefährten überlebt und sich auf einen Rachefeldzug begibt. Ihr Weg verbindet die Präzision einer Zielliste mit Erinnerungen, die unser Verständnis ihrer Beziehungen verändern. Bei jeder Begegnung muss sie Fähigkeiten, offene Rechnungen und unterschiedliche Formen der Machtausübung abwägen. Die Identität der Protagonistin entsteht sowohl in den Kämpfen als auch durch das, was sie über ihre Vergangenheit zu erzählen beschließt.
Die beiden Bände erzählen diese Geschichte in unterschiedlichem Tempo. Der erste bietet rasante Ortswechsel, visuelle Brüche und ausgedehnte Actionsequenzen; der zweite räumt Gesprächen, dem Lernen und dem Warten mehr Platz ein. Zusammengehalten werden sie durch dieselbe Suche und die offenen Fragen, die sie hinterlässt. Die Vielfalt der Genres verleiht jeder Etappe eine eigene Ausdrucksform: Ein Duell kann die Konzentration eines Westerns annehmen, während eine andere Konfrontation von Tempo und Choreografie des Martial-Arts-Kinos geprägt ist. Das Spektakel bleibt stets mit körperlicher Ausdauer und den Entscheidungen der Braut verbunden.
Kill Bill erzählt eine Rachegeschichte in zwei Bänden. Die Braut überlebt den Angriff während der Probe ihrer Hochzeit und erwacht nach vier Jahren im Koma. Von diesem Moment an sucht sie nach den Mitgliedern ihrer ehemaligen Gruppe und dem Mann, der sie anführte. Die Prämisse gibt ein klares Ziel vor, während Erinnerungen die vollständige Erklärung ihrer Beziehungen hinauszögern.
Die Braut und eine Vergangenheit, die kapitelweise zurückkehrt
Uma Thurman spielt die Protagonistin, die auch unter dem Namen Beatrix Kiddo bekannt ist. Der Film zeigt sie als einen Körper, der seine Fähigkeiten zurückgewinnen muss, und als eine Person, deren Ruf ihr vorauseilt. Diese Kombination prägt einen großen Teil der Spannung: Manche Gegner kennen ihre Ausbildung, doch niemand kann vollständig kontrollieren, wie sie auf eine unerwartete Situation reagieren wird.
Das Tödliche-Viper-Attentatskommando verbindet die Gegner durch eine gemeinsame Geschichte. Bill nimmt eine andere Stellung ein als die übrigen, denn seine Autorität ist beruflicher wie persönlicher Natur. Der Eintrag des Filmfestivals von Cannes zum zweiten Band nennt David Carradine als Bill, Michael Madsen als Budd und Daryl Hannah als Elle Driver. Ihre Art zu sprechen und abzuwarten schafft unterschiedliche Bedrohungen, noch bevor es zu einer körperlichen Auseinandersetzung kommt.
Die Chronologie von Kill Bill entspricht nicht der Reihenfolge der Kapitel. Die Erzählung kann zunächst eine Handlung zeigen und später die Erfahrung nachreichen, die eine Fähigkeit oder Beziehung erklärt. Diese Zeitsprünge steuern, was das Publikum erfährt, und sorgen dafür, dass eine Lernszene noch viel später Folgen hat. So bleibt die Vergangenheit während des Rachefeldzugs aktiv präsent.
Zwei Erzähltempi für dieselbe Suche
Der erste Band, der 2003 in die Kinos kam, bewegt sich durch deutlich voneinander abgesetzte visuelle Stilrichtungen. Der zweite, der 2004 in Cannes vorgestellt wurde, gibt Gesprächen und Wartesituationen mehr Raum. Die Unterschiede in Ton, Stil und Genre zwischen den beiden Bänden prägen das Zeitempfinden: Eine Folge von Gegnern kann die Handlung vorantreiben, während ein Besuch oder eine mündliche Erzählung dazu zwingt, bei einer ungelösten Beziehung zu verweilen.
Die Aufteilung bedeutet nicht, dass es sich um zwei voneinander unabhängige Suchen handelt. Informationen, die in einem Teil zurückgehalten werden, können die Bedeutung des anderen verändern, und das Ziel, Bill zu erreichen, zieht sich durch das Ganze. Das Ende von Kill Bill Vol. 2 führt Entscheidungen und Konflikte zusammen, deren Tragweite sich erst durch diesen Weg erschließt. Neue Informationen können aus einer körperlichen Meisterleistung einen Teil eines emotionalen Konflikts machen. Das Wissen um ein Versprechen oder eine Erinnerung verändert den Blickwinkel, aus dem die nächste Begegnung betrachtet wird.
Die Einflüsse des Italowesterns in Kill Bill Vol. 2 zeigen sich in der Aufmerksamkeit für Gesichter, die Vorbereitung der Begegnung und die Distanz zwischen den Gegnern. Das Warten kann ebenso viel Spannung erzeugen wie ein Kampf. Worte können einen Schlag hinauszögern, eine Deutung der Vergangenheit durchsetzen oder offenbaren, wie viel die andere Person weiß.
Kämpfe, Bildsprache und Lernen
Die Schlacht im Haus der Blauen Blätter macht den Raum zu einem aktiven Bestandteil des Kampfes. Eingänge, Höhenunterschiede und die Zahl der Gegner verändern, was die Protagonistin tun kann. Der Reiz liegt darin, jede Schwierigkeit zu erkennen und eine nachvollziehbare körperliche Reaktion zu beobachten – selbst wenn die Szene ihren Maßstab verändert oder ihre Effekte überzeichnet.
Das Produktionsstudio Production I.G nennt seine Beteiligung am Animationssegment des ersten Bands. Dieser Medienwechsel erzählt die Vergangenheit von O-Ren Ishii mit einer anderen Bildsprache und einer anderen Form der Gewalt. Die Einflüsse des Chanbara- und Samurai-Kinos in Kill Bill Vol. 1 stehen neben dieser Animation, dem Kung-Fu-Kino und Situationen, die anderen Traditionen entstammen. Die Mischung verleiht Erinnerungen, Herausforderungen und Ritualen jeweils eine eigene Form.
Das Training von Beatrix bei Pai Mei zeigt, dass eine Fähigkeit Wiederholung, Schmerz und Anpassung erfordert. Die Inszenierung muss diesen Prozess sichtbar machen, damit seine späteren Folgen Gewicht haben. Die Schauspielerführung und die Vorbereitung der Besetzung verbinden hier Darstellung und Action: Die körperliche Anstrengung muss neben den Bewegungsabläufen auch Entschlossenheit, Frustration und Lernfortschritte zum Ausdruck bringen.
Die Musik trägt zu diesen Wechseln von Energie und Erwartung bei. Cannes führt RZA und Robert Rodriguez im Musikbereich des zweiten Bands auf; die Arbeit von RZA an Kill Bill nimmt einen eigenen Platz in dieser Klanggestaltung ein. Bild, Bewegung und Ton tragen eine Heldin, die verschiedene Genrecodes durchläuft, ohne ihr durchgängiges Ziel aus den Augen zu verlieren.
Der Humor in Kill Bill entsteht häufig, wenn eine furchteinflößende Figur einer alltäglichen Beschäftigung nachgeht. Die Aufmerksamkeit für eine Mahlzeit, eine Arbeit oder körperliches Unbehagen kann die Feierlichkeit des Rachefeldzugs unterbrechen. Dieser vorübergehende Rückgriff auf das Praktische lässt die Figuren jenseits des Rufs erkennen, der ihnen vorauseilt.
Der Besuch bei Hattori Hanzo nutzt den Kontrast zwischen dem Umgang in einem Speiselokal und der ernsten Aufgabe, die die Braut mit sich bringt. Umgangsformen, Verhandlungen und Tonwechsel prägen die Begegnung, bevor die Waffe ihre zeremonielle Bedeutung erhält. Damit der Gegenstand seinen Platz in der Geschichte einnehmen kann, braucht es eine Beziehung zwischen Menschen.
Dieses Nebeneinander von Alltäglichem und Außergewöhnlichem lässt auch die Regeln jeder Szene variieren. Eine Geste kann zugleich höflich und bedrohlich sein; eine geringfügige Beschwerde kann Verbitterung offenbaren. Mit solchen Verschiebungen verhindert die Erzählung, dass alle Gegner gleichermaßen feierlich wirken, und erneuert die Ungewissheit vor jeder Begegnung.