Die Musik von Santa Esmeralda im Garten von Kill Bill: Vol. 1stammt aus ihrer Version von Don't Let Me Be Misunderstood aus dem Jahr 1977. Der Film verwendet eine Instrumentalpassage zu Beginn der Auseinandersetzung zwischen Beatrix und O-Ren. Die Spieldauer des CD-Titels von knapp zehn Minuten entspricht nicht der Zeit, in der die Musik während des Duells zu hören ist.
In dem ausgewählten Ausschnitt sind Händeklatschen, Percussion und Gitarre zu hören. Diese Kombination bringt einen tanzbaren Schwung an einen Ort, an dem die Gegnerinnen einander beobachten, bevor sie angreifen. Das Ohr nimmt eine Folge von Akzenten wahr, während das Bild die Distanz zwischen den Körpern sichtbar macht. Die Erwartung des Zusammenstoßes entsteht, noch bevor die Schwerter aufeinandertreffen.
Die Instrumentalpassage verändert auch unsere Beziehung zum Lied. In diesem Abschnitt stehen das Arrangement und die rhythmische Wiederholung im Vordergrund, während der Gesang ausbleibt. Wenn man die Aufnahme erkennt, lässt sich eine konkrete Entscheidung des Schnitts nachvollziehen: Ein Teil einer Platte wird herausgelöst und erhält eine Funktion, die davon abhängt, was wir sehen.
Der Einsatz von Santa Esmeralda erschließt sich besser, wenn man die Struktur der Aufnahme betrachtet. Ein Lied kann Strophen, Refrains und instrumentale Passagen mit unterschiedlichen Funktionen enthalten. Der Film greift eine dieser Passagen auf und macht sie zur Begleitung einer körperlichen Auseinandersetzung.
Der Filmausschnitt und die Spieldauer der Platte
Der Katalog von Warner Music führt Santa Esmeralda im Soundtrack von Kill Bill: Vol. 1 auf. Dieser Eintrag weist auf die Interpretation hin, die auf dem Album enthalten ist. Um herauszufinden, was in der Szene verwendet wird, muss man sich den Ausschnitt genauer ansehen.
Ken Garner präzisiert dies in seiner Studie für Popular Music and the New Auteur (2013): Es handelt sich um etwa zwei Minuten aus dem Abschnitt zwischen 3:55 und 5:55 der zehnminütigen CD-Version. Diese Zeitangaben beziehen sich auf den von ihm untersuchten Titel, nicht auf die verstrichene Zeit im Film.
Wer die Aufnahme von Anfang an hört und wer ihr im Garten begegnet, erlebt also unterschiedliche Anfänge. Der Schnitt setzt in einem Abschnitt ein, der sich auf der Platte bereits eigenständig entwickelt hat. Der Gesang muss nicht zuvor erklingen, damit wir die Funktion verstehen: Wiederholung und Akzente können schon für sich eine Erwartung wecken.
So kann eine ältere Interpretation neben RZAs Arbeit an Kill Bill bestehen. In diesem Fall gab es das Arrangement bereits, als es mit den Bildern verknüpft wurde. Der Beitrag des Schnitts besteht darin, zu entscheiden, welchen Teil wir wie lange hören. Dadurch gewinnt eine Passage der Platte eine Eigenständigkeit, die sie beim Hören zwischen den Gesangspassagen nicht hatte.
Händeklatschen, Percussion und Gitarre: Wie der Schwung entsteht
Garner nennt Händeklatschen, Schlagzeug, Bongos und Figuren auf der Akustikgitarre. Es sind Klänge mit deutlich wahrnehmbaren Anschlägen: Jeder Einsatz markiert einen Punkt im musikalischen Fluss. Das Händeklatschen sorgt für einen kurzen Schlag; die Gitarre kann die Noten zwischen den einzelnen Akzenten verbinden. Das Bewegungsgefühl entsteht aus dem Unterschied zwischen der Wiederholung, die wir erkennen, und den Figuren, die sie durchlaufen.
Ein gleichmäßiger Puls lässt den nächsten Akzent erwarten. Diese Vorhersehbarkeit ist in einer bedrohlichen Szene hilfreich: Sie gibt dem Hören Kontinuität, während wir noch nicht wissen, wann eine der beiden Frauen angreifen wird. Der Rhythmus hält unsere Aufmerksamkeit aufrecht, ohne diese Ungewissheit aufzulösen. Die Musik schreitet regelmäßig voran, während die Figuren ihre Position halten, abwarten oder sich nähern können.
Álvaro Martín Sanz analysiert den Mix in „De catanas y guitarras“, erschienen 2019 in der Zeitschrift Telethusa. Er beschreibt eine Disco-Adaption mit Flamenco-Elementen, die den Bildern des japanischen Gartens gegenübergestellt wird. Diese Verbindung ermöglicht es, über Flamenco, Rumba und lateinamerikanische Rhythmen in den Soundtracks von Tarantino zu sprechen, ohne diese Kategorien gleichzusetzen.
Die Bezeichnung Disco verweist auf den tanzbaren Charakter des Arrangements; Händeklatschen und Gitarre verleihen ihm eine konkrete Akzentuierung. In der Szene treffen diese Merkmale auf bewaffnete Kämpferinnen und eine verschneite Landschaft. Die Verbindung entsteht durch Bewegung und Abwarten. Der dargestellte Ort muss dafür nicht mit den kulturellen Assoziationen sämtlicher Instrumente übereinstimmen, die wir hören.
Die Musik bereitet den Zusammenstoß vor und erfüllt danach eine andere Funktion
Nach dem Kampf im Haus der Blauen Blätter richtet sich die Aufmerksamkeit im Garten auf zwei Gegnerinnen. Der beharrliche Rhythmus kann weiterlaufen, während beide getrennte Positionen einnehmen. Das verleiht den Vorbereitungen Gewicht: Eine optisch kurze Distanz braucht Zeit, um überwunden zu werden, und die Begleitung macht spürbar, wie viel Zeit bis zur Begegnung noch vergehen kann.
Ohne Gesang müssen Gitarre und Percussion diesen Abschnitt tragen. Der Titel nennt das Lied, doch hier kommentiert keine Strophe die Absichten der Kämpferinnen. Stattdessen rückt die Frage in den Mittelpunkt, wie wir ihre Bewegungen wahrnehmen. Eine musikalische Figur kann weiterklingen, während wir auf eine Reaktion warten, ohne verbal erklären zu müssen, was die Angreiferin denkt.
Die Passage endet, bevor die Auseinandersetzung entschieden ist. Indem der Schnitt den Puls wegnimmt, unterbricht er die Kontinuität, die die Musik geschaffen hatte. Der Kampf kann weitergehen, doch ihm fehlt nun die rhythmische Stütze, die den nächsten Akzent erwarten ließ. Wie lange das Warten dauert, hängt nun stärker davon ab, was die Kämpferinnen tun und welche Geräusche in der Szene zu hören bleiben.
Der spätere Einsatz von The Flower of Carnage, gesungen von Meiko Kaji, gehört zu einem anderen Moment. Garner ordnet das Lied der Niederlage und dem Tod O-Rens zu. Der Gesang begleitet nun die Folgen der Auseinandersetzung, nachdem die Ungewissheit über ihren Ausgang bereits verschwunden ist.
Die Entstehung des Arrangements hilft zu verstehen, warum sich die Aufnahme für diesen instrumentalen Einsatz eignet. In Music Week erklärte Leroy Gomez am 26. November 1977, er habe das Lied wieder aufgreifen und ihm eine lateinamerikanische Bearbeitung geben wollen. Die Idee einer Verwandlung gab es schon, bevor die Platte mit dem Kino in Verbindung gebracht wurde: Ein bekanntes Werk konnte durch seine Interpretation einen anderen Schwung erhalten.
Im selben Interview erklärte er, Santa Esmeralda habe Musiker für die Aufnahme zusammengebracht und er versuche damals, eine Gruppe für eine Tournee zusammenzustellen. Der Name auf der Veröffentlichung bezeichnete zu diesem Zeitpunkt noch keine feste Band, die bereits seit längerer Zeit gemeinsam auf Bühnen auftrat.
Diese Aussage unterscheidet die Entstehung eines Sounds im Studio von seiner späteren Präsentation auf der Bühne. Zugleich rückt sie die Musiker wieder stärker ins Blickfeld: Was der Film in dem Ausschnitt vorfindet, beruht auf einer Interpretation, die viele Jahre zuvor für einen anderen Zusammenhang ausgearbeitet wurde.