Der Eröffnungssong von Kill Bill: Vol. 1 ist Bang Bang (My Baby Shot Me Down), gesungen von Nancy Sinatra. Die Aufnahme erschien 1966 auf dem Album How Does That Grab You?. Im Film setzt sie nach dem Schuss ein, der den Prolog beendet, während die Anfangstitel vor schwarzem Hintergrund erscheinen.
Dieser Platz im Film bestimmt ihre Wirkung. Das Publikum hat gerade einen Angriff miterlebt und weiß noch sehr wenig über die verletzte Frau. Sinatras Stimme und eine schwingend klingende Gitarre füllen nun den Raum, den das Bild hinterlassen hat. Der Auftakt lässt einige Augenblicke lang die emotionalen Folgen der Gewalt spürbar werden, bevor die Handlung weitergeht.
Auch die Wahl dieser Version hat eine konkrete Vorgeschichte. Sonny Bono schrieb das Lied, und noch im selben Jahr nahm Cher es vor Sinatra auf. Tarantino erwog zunächst, diese frühere Interpretation für seinen Film zu verwenden. Der Wechsel zu Nancy ist bedeutsam, denn die Komposition bleibt dieselbe, doch eine zurückhaltende Stimme und eine sparsame Begleitung verändern ihre Präsentation.
Die Beziehung zwischen Bang Bang und Kill Bill entsteht durch die Montage einer bereits zuvor aufgenommenen Einspielung. Das Lied bringt seine eigene Interpretation, seinen Klang und seine Länge mit. Der Film gibt ihm eine Situation, aus der heraus wir es hören: einen Angriff, dessen Geschichte erst noch erzählt werden muss.
Die Version von 1966 und Tarantinos Wahl
Die offizielle Biografie von Nancy Sinatra und der Katalog von Light in the Attic ordnen das Lied How Does That Grab You? zu, ihrem zweiten Album. Sie nennen Sonny Bono als Komponisten und unterscheiden Chers orchestrale Begleitung von dem Duo aus Sinatra und dem Gitarristen Billy Strange. Im Film ist Nancys Interpretation zu hören.
Tarantino erläuterte Dylan Callaghan von The Hollywood Reporter den Weg zu seiner Wahl in einem Interview von 2003, das von Screenwriter’s Utopia erneut veröffentlicht wurde. Während er mit Uma Thurman an Pulp Fiction arbeitete, stellte er sich Bang Bang bereits im Abspann seines Projekts vor, dachte dabei aber an Cher. Später hörte er Sinatras zweites Album und bevorzugte ihre Art zu singen. Seine Aussage verortet die Entscheidung im Vergleich verschiedener Aufnahmen und nicht in einem Auftrag, eigens für die Dreharbeiten ein neues Lied zu schreiben.
Der Unterschied beeinflusst die Beziehung zur Protagonistin. Die Musik kann Beatrix Kiddo auf eine Weise nahekommen, die von der Stimme und davon abhängt, wie jede Zeile getragen wird. Die Lautstärke der Instrumentierung und der Raum um den Gesang verändern, wie wir dieselbe Komposition aufnehmen – noch bevor wir sie mit den Bildern in Verbindung bringen.
Billy Strange und der Dialog zwischen Gitarre und Stimme
Die Begleitung hat einen klar zuzuordnenden Urheber. In dem E-Mail-Interview, das Jan Derrer 2008 in Lost & Sound veröffentlichte, erklärte Billy Strange, er habe gespielt, was ihm passend erschien, und Nancy habe das Ergebnis gefallen. Seiner Erinnerung nach nahmen die beiden gemeinsam auf; weitere Einspielungen wurden dieser Aufnahme später nicht hinzugefügt. Der schlichte Klang entsteht aus dem Zusammenspiel zweier Musiker.
Strange bestätigte auch den Einsatz eines Tremoloeffekts. Durch die Schwankungen der Lautstärke scheint die Gitarre zu pulsieren, während die Töne ausklingen. Der Effekt hält die langsame Begleitung in Bewegung: Auch wenn der Gesang zwischen den Zeilen pausiert, bleibt im Klang ein regelmäßiges Vibrieren. So entsteht eine Unruhe, die bestehen bleiben kann, ohne dass die Lautstärke steigen muss.
Die Stimme steht mit nur wenigen Klängen im Hintergrund im Vordergrund. Sinatra muss sich nicht gegen einen Schlagzeugpart oder ein Orchester durchsetzen; die Enden der Zeilen und die Pausen dazwischen sind deutlich wahrnehmbar. Die Interpretation wirkt zurückhaltend. Ihre Traurigkeit zeigt sich darin, wie sie die Worte ausspricht und hält – mit einer Nähe, die sich eignet, sie nach der Nahaufnahme des verletzten Gesichts zu hören.
Auch die Gitarre ist kein gleichförmiger Hintergrund. Ihre Figuren verbinden einzelne Gesangsmomente miteinander und machen die Abstände zwischen den Einsätzen der Stimme hörbar. So wird aus der Schlichtheit keine Regungslosigkeit. Es gibt zwei Aufmerksamkeitslinien: Sinatras Gesang und die instrumentale Antwort, die den Zusammenhang wahrt, wenn sie schweigt.
Nach dem Schuss: eine Pause vor schwarzem Hintergrund
Der Prolog zeigt Beatrix’ Gesicht in Schwarz-Weiß, ihren Atem und Bills Stimme. Der Schuss beendet diese Situation. Wenn das Lied einsetzt, sind die erzählten Bilder den Titeln gewichen. Das Stück begleitet die Spuren des Angriffs, statt jede Bewegung der Gewalttat während ihres Verlaufs zu verfolgen.
Der Unterschied zwischen der monochromen Einstellung und den Titeln vor schwarzem Hintergrund ist bedeutsam. Die Verwendung von Schwarz-Weiß lässt den Schaden in einem Gesicht noch erkennen; der Hintergrund der Titel entzieht diesen Körper unserem Blick. Dadurch nimmt die gesungene Stimme einen größeren Teil unserer Aufmerksamkeit ein, während das eben verschwundene Bild im Gedächtnis bleibt.
Die Sequenz zeigt auch kein Abspielgerät, über das die Figuren die Schallplatte hören. Das Lied prägt das Erleben des Publikums während des Abspanns. So kann es Verlust und verletzte Intimität nahelegen, ohne zu einer Äußerung zu werden, die Beatrix selbst macht. Die emotionale Nähe zwischen Stimme und Bild bringt beide einander nahe, ohne dass die Sängerin die Figur buchstäblich verkörpern muss.
So bereitet der Auftakt eine Phase des Wartens zwischen der Verletzung und der Reaktion vor. Die Eröffnungslieder in Tarantinos Filmen können unsere Erwartungen an die Erzählung lenken, noch bevor wir ihre Vorgeschichte kennen. Hier lässt das zurückhaltende Tempo Zeit für die Erschütterung: Während der Titel bleibt der Angriff unaufgelöst, und der Film zeigt noch nicht, wie die Frau, die wir gesehen haben, reagieren wird.
Nancy Sinatra ergänzte einen Produktionsaspekt dieser Verbindung, als sie am 14. September 2022 mit Jessica Lipsky für GRAMMY.com sprach. Sie erklärte, dass ihr Eigentum an der Aufnahme ihre Verwendung durch Tarantino erleichtert habe, da er sich nicht mit einer Plattenfirma auseinandersetzen musste, um sie in den Film aufzunehmen. Ihre Bemerkung bezieht sich auf die Kontrolle über diese konkrete Einspielung und ist von der Urheberschaft an der Komposition zu unterscheiden. Das Lied konnte durch eine Aufnahme, die die Sängerin behalten hatte, ein neues Leben im Kino erhalten.
Im selben Interview erinnerte sie sich an Nachrichten von Menschen, die den Soundtrack gehört hatten, ohne sie zu erkennen, und ihren Namen erst im Abspann entdeckten. Diese Erinnerung ist ein konkretes Beispiel dafür, wie ein Film zu einer Interpretin führen kann. Mit ihrem Namen lässt sich die Aufnahme außerhalb der Erzählung suchen und in einem anderen Zusammenhang erneut hören. Für diese Hörerinnen und Hörer gehörte die Entdeckung, wer sang, ebenso zum Erlebnis wie der Eindruck, den die Musik hinterlassen hatte.