Es war einmal in Hollywood betrachtet die Welt des Showbusiness aus der Perspektive von Menschen, die darin ihren Platz zu finden versuchen. Rick Dalton fürchtet, dass seine besten Chancen bereits vorbei sind; Cliff Booth richtet einen großen Teil seines Lebens auf die Arbeit mit Rick aus; Sharon Tate genießt eine Karriere, die gerade Fahrt aufnimmt. Ihre Tage führen durch Studios, über Straßen und zu Häusern und Kinos. Der Glanz eines Stars geht mit Arbeiten einher, für die niemand applaudiert, und mit der Ungewissheit, was der nächste Auftrag bringt.
Der Film nimmt sich Zeit für diese Routinen, denn in ihnen zeigt sich eine bestimmte Art, zu Hollywood zu gehören. Zum Drehort zu fahren, eine Figur vorzubereiten oder unter Zuschauern Platz zu nehmen, kann ebenso viel Gewicht haben wie ein entscheidendes Gespräch. Die Nachbildung von Los Angeles verbindet die Wege durch Fassaden, Geräusche und bekannte Gesichter. In dieser Landschaft teilen sich historische Personen und erfundene Figuren eine Erzählung, die die Vergangenheit als Stoff für eine Fiktion nutzt. Die emotionale Nähe zu einer Epoche entsteht durch ihre alltäglichen Details, die Bilder, die sie hervorbringt, und die Hoffnungen, die sie bei den Menschen weckt, die von ihr leben.
Es war einmal in Hollywood, 2019 in die Kinos gekommen, versetzt seine Figuren ins Los Angeles des Jahres 1969. Rick Dalton, gespielt von Leonardo DiCaprio, ist ein Fernsehschauspieler, der sich Sorgen um seine Karriere macht; Cliff Booth, verkörpert von Brad Pitt, ist sein Stuntdouble und Freund. Sony beschreibt die beiden als Teil einer Branche im Wandel. Sharon Tate, gespielt von Margot Robbie, eröffnet einen weiteren Blick auf dieses Umfeld.
Rick, Cliff und Sharon: drei Arten, vom Kino zu leben
Rick Daltons Problem besteht darin, weiterzuarbeiten und zugleich jede Chance an seinem eigenen Selbstbild zu messen. Eine Rolle kann ihm wie ein Abstieg vorkommen und zugleich ein hohes Maß an professionellem Einsatz verlangen. DiCaprio verbindet das Bedürfnis nach Anerkennung mit Momenten präziser Arbeit. Die Unsicherheit des Schauspielers und die Wirksamkeit seines Spiels innerhalb einer Szene können dicht beieinanderliegen.
Cliff steht weniger im Rampenlicht. Seine Arbeit hängt von seinem Körper, dem Vertrauen anderer und Aufträgen ab, die über die Stuntszenen hinausgehen. Die Freundschaft zwischen Rick und Cliff verbindet alltägliche Hilfsbereitschaft mit einem beruflichen Ungleichgewicht: Der eine hat ein Haus und ein öffentliches Image; der andere trägt einen Teil zu diesem komfortablen Leben bei. Ihre Vertrautheit lässt Zuneigung erkennen, ohne die Unterschiede ihrer Lebensumstände zu verwischen.
In der Figur Sharon Tate findet die Freude daran, am Kino mitzuwirken, einen offeneren Ausdruck. In der Sequenz, in der sie ein Kino betritt und die Reaktion des Publikums auf ihre Arbeit beobachtet, erlebt man eine Schauspielerin unter Zuschauern. Ein Lachen zu hören oder eine Reaktion wiederzuerkennen, bietet eine andere Form der Anerkennung als ein Interview oder ein Werbefoto.
Geschichte, erfundene Figuren und Filme im Film
Rick und Cliff sind erfundene Figuren; Sharon Tate war eine reale Schauspielerin. Tarantino führt diese Gestalten in einer erdachten Handlung zusammen, mit Begegnungen und Situationen, die zu seiner Erzählung gehören. Einen historischen Namen zu erkennen, verweist auf eine reale Person, macht aber nicht jede Geste oder jedes Gespräch ihrer Darstellung zu einem biografischen Dokument. Der Film knüpft dramatische Beziehungen zwischen Figuren unterschiedlicher Herkunft.
Ricks erfundene Karriere fügt eine weitere Ebene hinzu. Ausschnitte aus seinen Produktionen lassen ihn auch auf den Bildschirmen innerhalb der Geschichte als Star erscheinen. Wenn wir ihn in einem Western spielen sehen, nehmen wir sowohl die Fiktion wahr, in der er auftritt, als auch den Profi, der eine Aufnahme zustande bringen muss. Der Übergang zum New Hollywood wird so zur konkreten Frage nach Prestige, verfügbaren Rollen und der Sicherung des Arbeitsplatzes.
Robert Richardson erklärte Kodak, dass die Hauptdreharbeiten im anamorphotischen 35-mm-Format stattfanden, während für die Fernsehpassagen auch Schwarz-Weiß zum Einsatz kam; einige Heimaufnahmen wurden auf 16 mm und Super 8 gedreht. Unterschiede in Textur und Bildausschnitt helfen dabei, verschiedene Arten der Bildproduktion und -erinnerung zu unterscheiden. Die Vergangenheit erscheint durch mehrere Medien, jedes mit seinem eigenen, erkennbaren Erscheinungsbild.
Eine Stadt, die man durchstreift, hört und neu erzählt
Die Filmfestspiele von Cannes führen Barbara Ling als Szenenbildnerin auf. Die Nachbildung des Hollywood Boulevards im Jahr 1969 ist Teil einer Landschaft, in der Werbeanzeigen, Geschäfte und Plakate die Hoffnungen der Figuren verorten. Die Wege verleihen der Stadt Zeit: Die Entfernungen zwischen einem Studio, einem Haus und einem Lokal prägen den Ablauf eines Tages.
Der Soundtrack von Es war einmal in Hollywood begleitet diese Fahrten. Das Radio verbindet Songs, Stimmen und Werbung, sodass die Autos auch ein gemeinsames Zeiterlebnis transportieren. Manchmal begleitet die Musik eine Tätigkeit, ohne sie zu unterbrechen; in anderen Momenten gibt sie den Rhythmus des Schnitts vor und lässt aus einer Abfolge von Orten einen Gesamteindruck entstehen.
Der Roman Es war einmal in Hollywood, von Tarantino geschrieben und im Juni 2021 auf Spanisch bei Reservoir Books veröffentlicht, führt diese Welt in einem anderen Medium fort. Der Verlag beschreibt ihn als Erweiterung, die die filmische Erzählung neu ordnet. Prosa kann Vorgeschichten und Gedanken anders einbeziehen als ein Blick, eine Stimme oder ein Schnitt; dieser Unterschied beeinflusst, wie wir die Figuren kennenlernen.
Die Dreharbeiten innerhalb der Dreharbeiten lassen zwei Maßstäbe der Bewertung erkennen. Rick kann seine Karriere an der Größe einer Rolle messen, während die Menschen an seiner Seite darauf angewiesen sind, dass er eine konkrete Szene bewältigt. Den Text zu lernen, auf einen Einsatz zu hören und die Konzentration wiederzufinden, sind kleine Aufgaben im Vergleich zum Wunsch, ein Star zu sein – doch sie bestimmen, was am Ende auf der Leinwand zu sehen ist.
Durch diese Distanz gewinnen auch Fehler an Ausdruckskraft. Eine Unterbrechung legt den Menschen frei, der die Figur verkörpert hat; für einen neuen Versuch muss er eine Sicherheit wiederaufbauen, die wir bereits haben bröckeln sehen. Der Film würdigt die Anstrengung, ohne zu versprechen, dass ein guter Arbeitstag eine ganze Karriere retten wird. Gelungene Arbeit kann mit Zukunftssorgen einhergehen.
Auch unsere Sicht auf das Schauspiel verändert sich. Wir können Leonardo DiCaprio erkennen, Rick Dalton folgen und die Figur beobachten, die Rick spielt – alles innerhalb derselben Sequenz. Der Reiz liegt darin, wahrzunehmen, wie diese Ebenen zusammenwirken und auseinanderdriften: Eine überzeugende Fiktion hängt von einem Profi ab, der noch darum kämpft, sich selbst zu überzeugen.